幻の絵師、海を渡った美意識：小原古邨の花鳥画が語る日本の心

JBC
2023年12月17日
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更新日：2 日前

自然への眼差し、そして忘れられた美の再発見

日本という国は、豊かな四季の移ろいと、それによって育まれた繊細な花卉/園芸文化で知られています。庭園に咲き誇る花々、季節を告げる野鳥のさえずり、そしてそれらを慈しむ人々の心は、古くから日本の美意識の根幹をなしてきました。この深遠な文化の魅力を探る旅の中で、私たちは一人の「幻の絵師」に光を当てます。彼の名は小原古邨（おはらこそん）。かつて海外で絶賛されながらも、日本ではその存在が長く忘れ去られていた画家です。彼の描く花鳥画は、単なる写実を超え、生命の息吹と日本の精神性を刻み込んでいます。本稿では、小原古邨の花鳥画がどのようにして生まれ、なぜ海を渡り、そして現代においてどのように再評価されているのかを深く掘り下げ、その普遍的な美と哲学に迫ります。

1. 小原古邨の花鳥画（版画）とは：生命の躍動を刻む芸術

小原古邨の花鳥画は、明治時代から昭和時代にかけて制作された木版画であり、花、鳥、魚、昆虫、兎、狐といった自然界の多様な生命が、生き生きと、そして詩情豊かに描かれている点が特徴です。彼の作品の最も際立った特徴は、その極めて写実的な描写と、水彩画のように繊細な色彩表現にあります。多くの鑑賞者が木版画とは信じがたいほどの微妙な色合いは、当時の彫師と摺師の卓越した技術によって実現されました。

さらに、古邨は自然の一瞬の動きや生命の躍動を捉える構図の妙に優れていました。例えば、水鳥の一種であるバンを描いた作品では、尾をぴょこぴょこと上げ下げする特徴的な動きまで正確に描写されており、鳥の「動」の要素を強くアピールしています。これは、同時期に活躍した他の花鳥画家、例えば高橋松亭が描く鳥が比較的「静」の要素が強かったのと対照的であり、古邨作品の独自性を際立たせています。

古邨の精密な写実性は、単に見た目を再現するだけでなく、被写体である花や鳥が持つ「生」のエネルギー、その瞬間の躍動感を最大限に捉えようとする試みであると解釈できます。古邨は、自然界のあらゆる生命の輝きを克明に記録することで、生命そのものへの畏敬の念を表現しました。これにより、鑑賞者は作品を通して、自然の生命そのものへの深い感動と肯定の感情を抱くことができます。古邨の作品は、生命の躍動を画面に定着させ、見る者にその息吹を伝えることに成功しているのです。

2. 歴史と背景：明治・大正・昭和を駆け抜けた画業の軌跡

小原古邨の画業は、日本の近代化が進む激動の時代と深く結びついています。古邨の生涯は、日本の美術界が伝統と西洋化の間で揺れ動く中で、独自の道を切り開いた軌跡を示しています。

2.1. 小原古邨の生い立ちと日本画家としての出発

小原古邨、本名・小原又雄は、明治10年（1877）2月に石川県金沢市で生まれました。古邨の幼少期の足跡は不明な点が多いものの、日本画家・鈴木華邨（すずきかそん、1860〜1919）に師事し、花鳥画を学んだとされています。上京して華邨に学んだ経緯も詳細は明らかになっていません。

画家としての古邨の名が初めて確認されるのは、明治32年（1899）、22歳の時です。この年、古邨は日本絵画協会と日本美術院共催の展覧会に『寒月』や『春色』などを出品し、肉筆の日本画家としてキャリアをスタートさせました。この時期の作品はほとんど残っていませんが、題名や現存する数少ない作品から、彼が肉筆の花鳥画を描いていたことが分かっています。

2.2. 木版画への転身と海外市場への展開

肉筆画家として活動を始めた古邨が、初めて木版画を制作したのは明治34年（1901）頃に刊行された『花鳥画帖』だと考えられています。この作品の版元は小林文七でした。小林文七は、この『花鳥画帖』を江戸時代の浮世絵と共にアメリカのオークションに出品しており、このことから、古邨の木版画は当初から海外での販売を強く意識して制作されていたことが伺えます。

文七との関係が終わった後も、古邨は肉筆画から距離を置き、明治38年（1905）頃から大正元年（1912）頃にかけて、秋山武右衛門の滑稽堂と松木平吉の大黒屋という二つの版元から、300点を超える木版の花鳥画を制作しました。これらの作品も、国内向けというよりは、海外からの訪日客を中心に販売され、花鳥画が「日本的な分かりやすい画題」として海外で好まれたことがその一因とされています。

この時期の古邨の画業は、国内の美術界の動向よりも、むしろ海外の需要と版元の販売戦略によって強く方向付けられていたと考えられます。古邨の芸術的選択、特に肉筆画から木版画への転身、そして特定の画題（花鳥画）への集中は、海外市場の嗜好と経済的合理性によって促されたと推測できます。明治末期には、木版画の報道としての役割が写真や活版印刷に取って代わられ、国内需要が先細りする中で、版元は西欧への輸出に活路を見出しました。西欧で葛飾北斎や喜多川歌麿などの浮世絵が高い評価を得ていたことに着目し、報道目的の戦争画や武者絵、美人画を除外し、風景画と花鳥画が輸出の主力となりました。古邨の作品は、単なる個人の芸術的表現に留まらず、近代日本が国際社会に適応し、経済的な活路を見出すための「文化輸出」の一環として機能していたと言えるでしょう。古邨の花鳥画は、日本の豊かな自然と繊細な美意識を国際的にアピールする上で非常に有効な手段であり、当時の日本の近代化と国際社会への適応という大きな流れの中で、戦略的な役割を担っていたのです。

2.3. 新版画運動と渡邊庄三郎との出会い

大正時代に入ると、版元の衰退により古邨の木版画制作は一時途絶え、大正元年（1912）頃、古邨は画号を「祥邨（しょうそん）」に改め、再び肉筆画を描くようになります。しかし、この時期の活動は不明な点が多いです。

古邨が木版画の世界に再び戻るのは、昭和元年（1926）、49歳の時でした。古邨は版元・渡邊庄三郎（1885〜1962）の求めに応じ、「祥邨」の名で新版画の制作を開始します。新版画とは、明治末期から昭和初期にかけて、江戸時代の木版画の彫りや摺りの技術を継承しつつ、同時代の画家による近代的な表現を目指した新しい芸術運動です。渡邊庄三郎は、浮世絵の没落を憂い、伝統的な技術と現代の感性を融合させた「新版画」を企画しました。古邨は、橋口五葉の美人画や川瀬巴水の風景画など、様々なジャンルの新版画を手がけましたが、ちょうど花鳥画の分野で適切な画家を探していたところ、海外で実績のある古邨に白羽の矢が立ったと考えられています。

この頃、新版画は海外で一大ブームを巻き起こし、アメリカ各地で展覧会が開催されました。渡邊庄三郎は国内外で積極的に展覧会を開催し、祥邨の花鳥画に他の作家の作品と明らかな価格差をつけて購入しやすくする戦略をとった結果、海外の展覧会で祥邨の版画が最も多く購入されました。古邨の作品は特に人気を博し、「Koson」の名は欧米で広く知られることになります。

古邨は昭和10年代前半頃まで制作を続けましたが、体力の衰えもあり筆を置くようになり、昭和20年（1945）1月、67歳でこの世を去りました。

小原古邨は生涯で複数の画号を使用し、版元も複数にわたっています。古邨の画業の全体像を理解するため、以下の表にその変遷をまとめます。

画号	活動時期	主な版元	備考
小原古邨 (Ohara Koson)	明治後期	小林文七、滑稽堂、大黒屋	初期木版画、主に海外輸出向け
祥邨 (Shoson)	昭和初期	渡邊版画店	新版画運動の中心、海外で特に人気
豊邨 (Hoson)	昭和前期	酒井好古堂、川口商会	晩年の作品、古邨時代の作品の改変も含む

3. 文化的意義と哲学：花鳥画に宿る日本人の自然観と美意識

小原古邨の花鳥画は、単なる美しい絵画に留まらず、日本の文化、歴史、そして哲学を映し出す鏡として、深い意義を持っています。

3.1. 海外で絶賛され、国内で忘れられた「幻の絵師」の謎

小原古邨の作品は、欧米の美術館に所蔵され、「日本を代表する芸術家」として高く評価されてきました。特に渡邊庄三郎の巧みな販売戦略により、海外の展覧会では古邨（祥邨）の版画が最も多く購入され、「Koson」の名は欧米のコレクターや美術関係者の間で定着しました。当時の優れた木版技術は欧米人を驚かせ、空摺り、きめ出し、ぼかしなどの特殊技術や、肉筆画と見紛うほどの精緻な彫りや摺りは、彼らにとって未体験の驚きでした。

しかし、日本国内では、古邨の評価は「何の評価もなかった」「無視されてきた」「存在すら知られていなかった」というものでした。数年前まで、唯一まとまった画集はオランダ出版の英文のもので、日本では「幻の絵師」というタイトルで販売されるほどでした。

この評価の大きな乖離は、明治期の日本の美術概念の特殊性に起因すると考えられます。明治政府は、西洋の美術概念を導入する中で、江戸時代の豊かな生活・文化・社会制度を否定し切り捨てました。その結果、浮世絵のような大衆文化に根ざした芸術形式は、日本美術の復興を目指す新しい美術概念から除外されてしまいました。当時の日本では、木版画の高度な技術は古邨の花鳥画だけに用いられていたわけではなく、同レベルの絵師も多数存在しましたが、浮世絵の地位は、明治の美術概念の中で不当に貶められていたのです。小原古邨の花鳥画も例外ではなく、その高度な技術や芸術性にもかかわらず、国内では正当な評価を受ける機会が失われたのです。

この海外での「過大な評価」と国内での「妥当な評価」という二つの見方は、単に古邨個人の評価の問題に留まりません。これは、明治維新以降の日本が、西洋の美術概念を導入する中で、自国の伝統的な大衆芸術（特に浮世絵に代表される木版画）の価値を不当に貶め、切り捨ててしまったという、より広範な文化史的な問題を示唆しています。この状況は、日本の近代と言われる時代の出発点、すなわち「明治のボタンの掛け違い」に起因するとも指摘されています。古邨の作品は、過去の歴史的評価の歪みを問い直し、日本の美意識の多様性を再認識するきっかけとなるのです。

3.2. 花鳥画に込められた日本人の精神性

日本の花鳥画は、単なる写実的な描写を超え、日本人の自然に対する独特の感性、すなわち四季の移ろいを繊細に捉える美意識と、自然との共生という哲学を反映しています。日本には変化に富んだ気候や地形があり、それが自然や季節に関する多様な語彙と独自の感性を生み出しました。

花鳥画に描かれる松や竹、梅などが長寿や不屈の精神を表すように、描かれる花鳥には象徴的な意味合いが込められており、江戸時代の人々は花鳥画を通して自然と触れ合い、季節の移り変わりを感じていました。これは、花鳥画が単なる視覚芸術に留まらず、人々の精神性や生活のリズムに深く根ざした文化的な存在であったことを示しています。

古邨の極めて写実的な花鳥の描写は、単なる形態の再現に終わらず、日本人が自然の「生命力」を肯定し、同時にその「無常観」（あらゆるものが流転し、やがて失われる儚さ）を受け入れるという、深い精神性を表現しています。古邨が生命の「生き生きとした姿」を克明に描くことは、その瞬間の生命の輝きを最大限に捉えようとする試みであり、生命への肯定です。しかし、その精密な描写ゆえに、その美がやがて失われるという「儚さ」もまた強く意識させられます。例えば、満開の桜を描いた作品は、その華やかさの中に散りゆく運命の予感を含んでおり、見る者に「無常」の美を感じさせるのです。この写実と無常観という二律背反する感情の共存こそが、日本の花鳥画、ひいては日本の自然観に込められた深い哲学であり、古邨の作品はそれを高い次元で表現していると言えるでしょう。

3.3. 現代における再評価と未来への継承

長らく「幻の絵師」とされてきた小原古邨ですが、平成30年（2018）に中外産業の倉庫から200点以上の大短冊が発見されたことが、彼の再評価の大きなきっかけとなりました。この発見を契機に、原安三郎コレクションを中心とした茅ヶ崎美術館での展覧会開催、NHK「日曜美術館」での紹介などが続き、これまで国内ではほとんど無名であった古邨の名は広く世間に知られることとなりました。その後も、東京の大田記念美術館、山口県萩美術館、金沢の石川県立歴史博物館などで大規模な展覧会が開催され、多くの画集や紹介本が出版されるなど、一大ブームを巻き起こしています。

小原古邨の再評価は、単に一人の画家の功績を称えるだけでなく、日本の近代美術史における評価の歪みを問い直し、江戸文化の価値を再認識する重要な機会を提供しています。これは、日本の近代が切り捨ててきた江戸の豊かな生活・文化・社会制度を正当に再評価し、日本の美意識の多様性を再認識する作業の一部であると言えます。古邨の作品を通じて、私たちは日本の自然観や美意識の深淵に触れ、伝統文化の継承と新たな発見の可能性を見出すことができるでしょう。

結論：小原古邨の花鳥画が誘う、日本の美の深淵へ

小原古邨の花鳥画は、その卓越した写実性と繊細な色彩、そして生命の躍動を捉える構図の妙によって、私たちを日本の豊かな自然の世界へと誘います。古邨の作品は、明治から昭和にかけての激動の時代、海外市場の需要に応える形で生まれ、長く「幻の絵師」として日本では忘れ去られていました。しかし、その再評価は、単なる一画家の発見に留まらず、日本の近代美術史における評価の歪み、そして日本人が自然に対して抱いてきた「生命の肯定」と「無常観」という深い哲学を再認識する機会を与えてくれました。

小原古邨の花鳥画は、単なる絵画を超えて、日本の自然観や美意識、そして歴史の複雑さを映し出す鏡です。この美しき版画の世界に触れることは、日本の花卉/園芸文化、ひいては日本の伝統文化の深淵へと誘う、発見に満ちた旅となるでしょう。彼の作品を通して、日本の心が育んできた美の精神を、ぜひ深く感じ取ってください。